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服装设计

发布时间:2016-02-29浏览:

服装设计是科学技术和艺术的搭配焦点,涉及到美学、文化学、心理学、材料学、工程学、市场学,色彩学等要素。“设计”指的是计划、构思,设想、建立方案,也含意象、作图、制型的意思。”服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思,并绘制出效果图、平面图,再根据图纸进行制作,达到完成设计的全过程”。

服装设计师(Fashion Designer)直接设计的是产品,间接设计的是人品和社会。

随着科学与文明的进步,人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代,人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化,严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢,以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象,极端的色彩出现在令人诧异的对比中,于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多,有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言,成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观,和价值观,既然设计出来的衣服是要在生活中穿的,既要美观时尚,又要低调优雅,使服装永远不会落后,所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己,而是在设计你所想表达的意向。

服装设计是运用各种服装知识、剪裁,及缝纫技巧等,考虑艺术及经济等因素,服装设计图片再加上设计者的学识及个人主观观点,设计出实用、美观,及合乎穿者的衣服,使穿者充分显示本身的优点并隐藏其缺点,衬托出穿者的个性,设计者除对经济、文化、社会、穿者生理与心理及时尚有综合性之了解外,最重要的是要把握设计的原则。设计原则是说明如何使用设计要素的一些准则,乃经过多年经验、分析,及研究的结果,也就是美的原则在服装上的应用。

五项原则

统一原则

统一(Unity)也称为「一致」,与调和的意义相似。设计服装时,往往以调和为手段,达到统一的目的。良好的设计中,服装上的部分与部分间,及部分与整体间各要素-质料、色彩、线条等的安排,应有一致性。如果这些要素的变化太多,则破坏了一致的效果。形成统一最常用的方法就是重复,如重复使用相同的色彩、线条等,就可以造成统一的特色。

加重原则

加重(Emphasis)亦即「强调」或「重点设计」。虽然设计中注重统一的原则,但是过分统一的结果,往往使设计趋于平淡,最好能使某一部分特别醒目,以造成设计上的趣味中心。这种重点的设计,可以利用色彩的对照(如黑色洋装系上红色腰带)、质料的搭配(如毛呢大衣配以毛皮领子)、线条的安排(如洋装上自领口至底边的开口)、剪裁的特色(如肩轭布及公主线的设计),及饰物的使用(如黑色丝绒旗袍上配戴金色项链)等达成。但是上述强调的方法,不宜数法同时并用,强调的部位也不能过多,并应选择穿者身体上美好的部分,做为强调的中心。

平衡原则

平衡(Balance)使设计具有稳定、静止的感觉时,即是符合平衡的原则。平衡可分对称的平衡,及非对称的平衡两种。前者是以人体中心为想象线,左右两部分完全相同。这种款式的服装,有端正、庄严的感觉,但是较为呆板。后者是感觉上的平衡,也就是衣服左右部分设计虽不一样,但有平稳的感觉,常以斜线设计(如旗袍之前襟)达成目的。此种设计予人的感觉是优雅、柔顺。此外,亦须注意服装上身与下身的平衡,勿使有过分的上重下轻,或下重上轻的感觉。

比例原则

比例(Proportion)是指服装各部分间大小的分配,看来合宜适当,例如口袋与衣身大小的关系、衣领的宽窄等都应适当。「黄金分割」的比例,多适用于衣服上的设计。此外,对于饰物、附件等的大小比例,亦须重视。

韵律原则

韵律(Rhythm)指规律的反复,而产生柔和的动感。如色彩由深而浅,形状由大而小等渐层的韵律,线条、色彩等具规则性重复的反复的韵律,以及衣物上的飘带等飘垂的韵律,都是设计上常用的手法。

概念定义

服装设计是一个总称,根据不同的工作类容及工作性质可以分为服装造型设计,结构设计,工艺设计,设计的原意是指“针对一个特定的目标,在计划的过程中求得一种问题的解决和策略,进而满足人们的某种需求”。设计所涉及的范围十分广泛,包括社会规划、理论模型、产品设计和工程组织方案的制定等等。当然,设计的目标体现了人类文化演进的机制,是创造审美的重要手段。服装设计顾名思义是设计服装款式的一种行业,服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思,并绘制出效果图、平面图,再根据图纸进行制作,达到完成设计的全过程”[2] 。

设计同时具有"事实要素和“价值要素”。前者说明事态的状况,后者则用理论和审美的命题来进行表述,即是“好坏和美丑”。

不同类型的设计侧重的思维类型往往有所差异。例如,在工程设计中更重视理性分析,而在产品造型设计和工业设计则重视整体的过程,需要运用形象思维的因素,在服装设计方面则更注重“美感”等等。

设计的任务不仅仅的满足个人需求,它同时需要兼顾社会的、经济的、技术的、情感的、审美的需要。由于这些众多的需要中本身存在一定的矛盾,所以设计任务本身就包括各种需要之间的协调和对立关系。现代的设计理念在更新中,同样要遵循设计的规范,要考虑这众多的“需要”。

设计是物质生产和文化创造的首要环节。它总是以一定的文化形态为中介。例如,运用大致相同的建制材料进行建筑工程的设计,不同的社会文化会诞生不同的建筑形式;运用相似的服装设计构思,不同的社会规范也会产生完全不同的设计风格。

设计过程

一服装设计创作过程

服装设计是一个艺术创作的过程,是艺术构思与艺术表达的统一体。设计师一般先有一个构思和设想,然后收集资料,确定设计方案。其方案主要内容包括:服装整体风格、主题、造型、色彩、面料、服饰品的配套设计等。同时对内结构设计、尺寸确定以及具体的裁剪缝制和加工工艺等等也要进行周密严谨的考虑,以确保最终完成的作品能够充分体现最初的设计意图。

服装设计的构思是一种十分活跃的思维活动,构思通常要经过一段时间的思想酝酿而逐渐形成,也可能由某一方面的触发激起灵感而突然产生。自然界的花草虫鱼、高山流水、历史古迹、文艺领域的绘画雕塑,舞蹈音乐以及民族风情等社会生活中的一切都可给设计者以无穷的灵感来源。新的材质不断涌现,不断丰富着设计师的表现风格。大千世界为服装设计构思提供了无限宽广的素材,设计师可以从各个方面挖掘题材。在构思过程中设计者可通过勾勒服装草图借以表达思维过程,通过修改补充,在考虑较成熟后,再绘制出详细的服装设计图。

二绘制服装设计图

绘制服装效果图是表达设计构思的重要手段,因此服装设计者需要有良好的美术基础,通过各种绘画手法来体现人体的着装效果。服装效果图被看作是衡量服装设计师创作能力、设计水平和艺术修养的重要标志,越来越多地引起设计者的普遍关注和重视。

服装设计中的绘画形成有两种:一类是服装画,属于商业性绘画,用于广告宣传,强调绘画技巧,突出整体的艺术气氛与视觉效果。另一类是服装效果图用于表达服装艺术构思和工艺构思的效果与要求。服装效果图强调设计的新意,注重服装的着装具体形态以及细节描写,便于在制作中准确把握,以保证成衣在艺术和工艺上都能完美地体现设计意图。

知识储备编辑

1、借鉴的本领

原始借鉴又称模仿,如:虔诚地模仿(敬畏他人)、竞争地模仿(超人一等)、忧虑地模仿(与别人相同而不落伍,过时)、三位一体地模仿:直接模仿(小孩模仿大人,猴子学吸烟)、间接模仿(积累、总结、比较、记忆等)、创造性模仿(取优创新、批叛的继承)。其实服装设计就是敢为人先的创造与发明、大胆设计、大胆改造,大胆实用新工艺,新材料、新科技的全过程。

服装设计的构思阶段,在某种程度上,实际上是在头脑中进行样式的选择。设计是一种创造,但不是发明,前无古人后无来者的设计是不存在的。因此,设计就必须要借鉴前人。

服装设计图片服装设计更是如此,因为服装的变迁过程是连续的,不间断的,每一种服装都处于人类服装文化史的变迁途中,都是承前启后的。要借鉴前人,就必须虚心地学习和研究前人的成就和经验。就服装设计来讲,首先必须学习的是服装史,因为要想在设计中准确地把握现在的流行,就必须了解服装过去的变迁过程,掌握变迁规律。要想在设计中超越前人,就必须先学习前人的历史经验和传统技巧。不仅要学习中国服装史,而且还要学习西方的服装史,还要研究世界各地现存的民族服装。

另外,借鉴还要注意广度,除了古今中外的服装文化外,其他领域也要尽量去涉猎和学习。因为服装是一种综合性的文化现象,涉及到社会科学和自然科学的各个领域。设计师的工作内容又是复合型的,既要能把握当时当地的历史潮流和市场变化,又要对自己和竞争对手的实力了如指掌,还要有能力和实力组织生产,实现自己的设计意图,为企业带来利润。因此,设计师要有广博的修养和丰富的经历,要热爱生活,对一切事物都很感兴趣,要有强烈的好奇心。这样在设计构思时,才能广开思路,广泛借鉴。只有“站在巨人的肩膀上”,才能设计出高于前人的作品。这就是借鉴的重要性。

2、 设计的能力

预测→收集信息→策划→开发计划→设计与制作→销售→信息反馈→总结。(往返进行)设计是一种造物的过程,有了好的构思后,接着就是如何来完成和实现这个构思,把设计构思画在纸上,不能说是设计的完成,那仅仅是设计的开始。服装设计效果图是设计构思的视觉性表达手段之一,而这个设计构思能否实现,还有待于运用具体的衣料,通过一定技巧的裁剪、制作工艺来探索其实现的可能性。因此,作为设计师,如果衣料的性能、裁剪方法和制作技术等实际操作技能一无所知的话,其构思肯定是不着边际的,经常看到许多设计效果图画得挺美,但实际上不可能做出来的,或者即使勉强做出来也无法穿用(或因没有考虑开口而穿不进去,或穿上根本动不了,迈不开步,抬不起胳膊,弯不下腰)。

可见,掌握裁、制作的基本技能对于设计师不仅十分重要,而且必不可少。事实上,许多设计的技巧,设计的感觉,不在纸面上,而在实际制板、裁剪和缝制的过程中。服装上所谓的“线条”和“造型”,也绝不是纸面上的线和形,而是立体上的三维空间中的线和形,这种感觉只有在三维空间的实际训练中才能提高。无论是巴黎的高级时装设计师,还是一般成衣企业的设计师,除了用绘画的形式表达自己的设计意图外,主要是在立体的衣服造型上来把握设计的。因此,无论是巴黎的高级时装店协会附属服装学校,还是纽约的FIT(纽约时装工科学院)以及日本的文化服装学院,在培养设计人才时,制板、裁剪和制作技术都是学员们必修的一门主要课程。

3、深厚的艺术造诣

服装设计即是一种产品设计,也是一种艺术创作。因此,广泛的艺术修养对于服装设计师就显得至关重要。曾被誉为“时装之王”的法国高级时装设计大师克里斯羌·迪奥尔就是具备了建筑、绘画、音乐等多方面知识的一位时装界的巨匠,他的弟子伊夫·圣·洛朗也是一位艺术才华横溢的天才,从圣·洛朗的作品中,可以看到他设计灵感来源之广,可以感受到当代艺术大师们的影响:热情奔放的西班牙风格,华美多姿的俄罗斯情调,单纯豪放的非洲风格,端庄鲜明的中国风格,还有那古典味浓郁的委拉斯凯兹式的婚礼服、色彩明朗的毕加索风格,简洁明快的蒙德里安冷抽象艺术和波普艺术等,都在其作品中有着独特的运用和发挥。艺术家。深厚的艺术造诣决定了设计师们无穷的创造力。

4、丰富的市场经验

要有丰富的市场经验,如:面、辅料市场:该地区内、外面料与辅料的市场。

服装设计图资料信息市场:时装信息、流行趋势、设计师手稿资料。

成衣市场:品牌、批发与零售。

服饰市场:首饰、配饰、美容护肤等。

生产一线市场:制作、洗水、制衣、整染、印花等。

作为一种产品设计,服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的,而是由市场来检验的。因此,设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知,那将非常危险,因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压,给企业带来巨大的经济损失,甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格,但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同,不能孤芳自赏,一定要时刻注意把握市场的新动向,在保持自己的设计风格的基础上,一定要站在消费者的立场上,每个细部都经营到位,这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。

基本技能

1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然,以前的设计大师也有个别不会画画的,但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训,仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话,那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念,另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美,从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”,特别是服装,本身就是人体的外部覆盖物,与人体有着密切的关系,作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识,才能更好地、立体地表达人体之美,这是设计的基础。

2、丰富的想象力

情侣装设计独创性和想象力是服装设计师的翅膀,没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝,而不能称之为真正的设计师。设计的本质是创造,涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材,音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来,服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上,那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶,将口袋设计成抽屉状,其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

3、对款式、色彩和面料的掌握

服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型,是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成,包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条,并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀,同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的白、平实的灰、坚硬的黑,服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征,给人以丰富的内涵联想。除此之外,色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等,当然,色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件,设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异,通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等,来悉心体会其间风格和品牌的迥异,并在设计中加以灵活运用.

不同质地、肌理的面料完美搭配,更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上,而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的,熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可,是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

对结构设计、裁剪技术的学习,也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分,服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪,设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情,只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化,设计就会不合理、不成熟,甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题,由于自己还不会打版,参加大赛的服装只能请师傅打版,但自己画的是一种效果,做出来完全走了型,没有达到想要的效果。由此可见,打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手,并把这些作为十分重要的设计语言,如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔细研究大师们的作品我们可以看到,服装的结构设计深富内涵、表现力独特,其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计,我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面,设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键,不懂的各种缝制技巧和方法,也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分,不同的缝制方式能产生不同的外观效果,甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果,这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件,对针织、梭织的加工工艺了如指掌,才能在设计运用中得心应手。

5、对服装设计理论及历史的了解

服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握,而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维,只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程,学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识,同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路,启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史,其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感,古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史,理解现代服饰的演变,才能在设计史立足于现代并预测未来。了解中西服装发展史的变化,也会使你更深地体会中西服饰的差异,市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

服装设计了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANEL到本世纪初的加里亚诺,每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔:20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、透视服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史,才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现,从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代,德国的设计大师卡尔·拉格费尔任CHANEL公司的首席设计师,为了扭转CHANEL公司当时的困境、为其注入新的活力,卡尔·拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手,以致于对CHANEL几十年历史中的每一个款式,他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANEL风格和设计历史之后,卡尔·拉格费尔一改CHANEL套装的沉闷和单调,推出了90年代粉彩、性感的CHANEL套装,使CHANEL服饰重振旗鼓,再次赢得年轻女性的喜爱,从而恢复了CHANEL品牌往日的活力。

可见,每一位设计师都要付出相当的努力,方能使设计的作品获得认可和成功。

7、了解市场营销学与消费心理学

一名成功的设计师首先应在市场上取得成功,要根据企业的品牌定位规范自己的设计风格和路线。卡尔·拉格费尔曾同时兼任夏耐尔、芬蒂、克罗耶等三家国际著名品牌的首席设计师,在为每个品牌策划设计时,都以该品牌的定位为准则,张扬了3种不同品牌风格,被誉为“天才设计师”。

服装设计师最终要在市场中体现其价值。只有真正了解市场、了解消费者的购买心理,掌握真正的市场流行(而不是时装杂志上颁布的理性趋势)。并将设计与工艺构成完美的结合,配合适当的行销途径,将服装通过销售转化为商品被消费者接受,真正体现其价值,才算成功完成了服装设计的全部过程。

刚刚跨出学校大门的青年设计师和成熟的服装设计师之间的差异就在于前者对市场缺乏足够的认识和经验不足。作为新手的你,在临近毕业或毕业之后要在最短的时间里熟悉各项工作,包括品牌的风格、市场定位、竞争品牌的概况、每季不同定位的服装设计风格的转变、不同城市流行的差异、所针对消费群对时尚和流行的接受能力等,还要清楚应该何时推出新产品、如何推出、以何种价格推出等问题,经过这些实践和经历,你才能成为服装设计一名“熟手”。

作为培养服装专业人才的服装院校应该更新观念、解放思想、开门办学。设计师可以与企业界和,教学更要与企业结合,与市场和品牌结合,从而锻炼学生的实际操作能力。为了达到这个目的,本人将所执教的深圳大学艺术学院服装专业第四年的设计课程做了很大的调整,课上的内容完全是服装公司设计师的工作要求,从品牌调研、定位分析、设计计划书到款式推出、价格定位、营销方案的提出等等方面,使同学们提前熟悉服装公司的每个工作细节,将学生毕业后参加社会工作时所面临的“磨合期”提前在学校来完成,这样做能使学生在毕业时积累更多的实践经验,为大多数企业欢迎。

同时,设计师作为一种时尚的职业为大多数人所向往,设计师与企业的签约、各种发布会和博览会的讯息更是倍受媒体关注。但是在这种繁荣的背后,也导致一些青年设计师有一些误解,认为这是服装设计师成功的唯一途径,认为设计师的工作就是做时装秀,站在T型台上手捧鲜花接受祝贺。其实,设计师的工作更多时候要紧盯市场变化、不断研究和预测市场流行,准确地把握公司品牌的定位和风格,因为,他们关系到整个服装公司的前途与发展,甚至是命运。

8、电脑运用能力

随着电脑技术在设计领域的不断渗透,无论在设计思维和创作的过程中,电脑已经成为服装设计师手中最有效、最快捷的设计工具,特别是在一些较正规的服装企业中对服装设计CAD、服装设计CAM等设计、打版、推版软件的运用十分普及,绣花纹样、印花纹样等也是靠计算机来完成。

服装设计师要能熟练地运用PHOTOSHOP、COREDRAW和PAINTER等绘图软件,他们可以方便地编辑、修改和绘制你的图形,拓宽你的设计表现方式、加快设计速度。特别是PAINTER,其庞大的绘图工具箱、种类繁多的画笔、极具感染力的着色效果和滤色效果可以使你的计算机设计作品魅力非凡、效果更加逼真。看看这张图你能看出是电脑绘制的吗?计算机作为一种先进、现代的绘图工具,有其丰富的表现力和非凡的潜力,掌握和运用计算机的绘图软件在服装设计和面料、图案设计中,不仅是日常设计工作中的需要,你还可以体会到做一名“现代设计师”的滋味和乐趣。

9、观察力和敬业精神

作为一名服装设计师,对服装具有敏锐的观察力是非常重要的。由于在服装设计教育中,过多地强调基础技能和技法训练,学生往往市场意识淡薄,缺乏明晰的思路、敏锐的观察力以及整体的思维能力,毕业后经常不能很快适应设计师的工作。怎样去主持一个品牌设计,要靠设计师较强的综合能力和对服装敏锐的观察力,这不仅需要技术上的创意,还需要用理性的思维,去分析市场,找准定位,有计划地操作、有目的地推广品牌。所以,如何做出你的品牌风格,使目标消费者穿得时尚;如何吸引你的顾客,扩大市场占有率,提高品牌的品味,增加设计含量,获得更大附加值,创造品牌效应,是服装设计师应具备的基本素质与技能。

从事服装设计行业还需要有敬业精神,不仅仅把它当成一个谋生的饭碗,更应看作一种事业来追求和热爱它。“热爱”这个词其实一点都不过分,只有你全身心地投入,努力地去付出,才能最终获得丰厚的回报。其实做任何事情都一样。夏奈尔在20世纪初期从设计女性的帽子开始走上她的漫漫时装设计之路,在其后50多年的时间里,她始终以一个服装革命者的身份活跃在时装舞台上,直到70年代生命的最后一刻,都在为她的设计而忙碌……

著名设计师

编辑

1.在创造中寻找华贵的感觉:尼娜·瑞西 Nina Ricci

2.风格高雅精致的“浪漫屋”/吉恩·兰纹(JEAN LANVIN)

3.迷你裙之王Mary Quant

4.Junya Watanabe

5.另类设计师 -川久保玲

6.传统与现代之绅士典范--PAUL SMITH

7.色彩大师:伊夫·圣罗兰Yves SaintLaurent

8.世界时装日本浪潮的新掌门人:山本耀司Yohji Yamamoto

9.东京国际时装之父:三宅一生 Issey Miyake

10.执著于优雅品位的设计师:于贝尔·德·纪梵希 Hubert de Givenchy

11.在市场与优雅间创造完美平衡:乔治·阿玛尼Giorgio Armani

12.颇具浓厚传奇色彩的设计师:加布里埃·夏奈尔Gabrelle Chanel

13.具有大众亲和力的品牌设计师:唐娜·卡伦Donna Karan

14.追求极度完美的设计师:贾尼·范思哲Gianni Versace

15.在现实和幻想间徘徊的设计师:克利斯汀·拉夸 Christian Lacroix

16.最先重视女性造型线条的设计师:克里斯汀·迪奥Christian Dior

17.纽约第七大道的王子:卡文·克莱 Calvin Klein

18.成功演绎童话色彩的设计师:本哈德·威荷姆Bernhard Willhelm

19.充满摇滚与颓废气质的设计师:安娜·苏Anna Sui

20.设计充满戏剧性及狂野魅力的新秀:亚历山大·麦克奎恩Alexander MacQueen

21.吹毛求疵尽善尽美的设计师:瓦伦蒂诺·加拉瓦尼Valentino Garavani

22.时装界最不安分的老太太:维维安·威斯特伍德 Vivienne Westwood

23.力挽狂澜的设计高手:汤姆·福特Tom Ford

24.针织女王、摩登女性的典范:索尼亚·里基尔Sonia Rykiel

25.异军突起的澳洲设计师典范:瑞奇·泰勒 Richard Tyler

26.全美十大设计师之一:拉夫·劳伦Ralph Lauren

27.50年来服装界成功的典范:皮尔·卡丹PierreCardin

28.获时装界最高荣誉的最年轻的设计师:马克·雅各布斯Marc Jacobs

29.色彩魔术师:高田贤三 Kenzo Takada

30.世界时装界的凯撒大帝:卡尔·拉格菲尔德Karl Lagerfeld

31.时装界的坏孩子:让·保罗·戈尔蒂埃 Jean Paul Gaultier

32.Dolce & Gabbana

33.在平凡中具有伟大创意的设计师:约翰·加利亚诺 John Galliano

34.设计鬼才,英国的时尚教父,时尚“坏小子”:亚历山大·麦昆Lee Alexander McQueen

35.动漫服装教父、动漫女装教父:孙钟华Doman

服装设计中前提条件

服装所具有的实用功能与审美功能要求设计者首先要明确设计的目的,要根据穿着的对象、环境、场合、时间等等基本条件去进行创造性的设想,寻求人、环境、服装的高度谐合。这就是我们通常说的服装设计必须考虑的前提条件——T.P.O.原则。

T.P.O.三个字母分别代表Time(时间)、Place(场合、环境)、Object(主体、着装者)。

1.时间(Time)简单地说不同的气候条件对服装的设计提出不同的要求,服装的造型、面料的选择、装饰手法甚至艺术气氛的塑造都要受到时间的影响和限制。同时一些特别的时刻对服装设计提出了特别的要求,例如毕业典礼、结婚庆典等等。服装行业还是一个不断追求时尚和流行的行业,服装设计应具有超前的意识,把握流行的趋势,引导人们的消费倾向。

2.场合、环境(Place)人在生活中要经常处于不同的环境和场合,均需要有相应的服装来适合这不同的环境。服装设计要考虑到不同场所中人们着装的需求与爱好以及一定场合中礼仪和习俗的要求。一件夜礼服与一件运动服的设计是迥然不同的。夜礼服适合于华丽的交际场所,它符合这种环境的礼仪要求,而运动服出现在运动场合,它的设计必然是轻巧合体而适合运动需求的。一项优秀的服装设计必然是服装与环境的完美结合,服装充分利用环境因素,在背景的衬托下更具魅力。

3.主体、着装者(Object)人是服装设计的中心,在进行设计前我们要对人的各种因素进行分析、归类,才能使人们的设计具有针对性和定位性。服装设计应对不同地区、不同性别和年龄层的人体形态特征进行数据统计分析,并对人体工程学方面的基础知识加以了解,以便设计出科学、合体的服装。从人的个体来说,不同的文化背影、教育程度、个性与修养、艺术品位以及经济能力等因素都影响到个体对服装的选择,设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。

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